Lali

Je n’étais pas allée au cinéma depuis des mois, trop prise par mes nombreuses activités chronophages. C’est donc avec bonheur que j’ai retrouvé le chemin de mon cinéma préféré afin d’assister hier à la première séance de la journée du film La belle époque, réalisé par Nicolas Bedos.

Et quelle façon réjouissante de commencer la journée! La belle époque est un film séduisant et tout simplement charmant, duquel on sort avec un sourire grand comme ça. Tout simplement. Parce qu’on y a cru d’un bout à l’autre, parce que ça finit bien, et qu’on a besoin de tels films pour oublier tout ce qui cloche ici et là, et pour mettre en veilleuse les informations dramatiques qui se sont emparées de tous les médias d’information.

Pendant près de deux heures, je suis entrée dans le monde du rêve, de l’improbable devenu réalité, de la vie qui s’anime à nouveau, de cœurs qui battent encore fort, et de l’amour qui cherche à se faire une place grâce à ce film qui met en scène Daniel Auteuil dans un rôle qui lui va comme un gant, de même que Fanny Ardant, Guillaume Canet et Doria Tellier, tous crédibles et impeccables.

Le dessinateur désabusé et dépassé par la modernité actuelle où tout se passe virtuellement, et où on ne lit plus de livres, verra sa vie se transformer grâce à un cadeau offert par un ami de son fils qui lui donne l’occasion de replonger dans son passé. Et de retrouver un moment très précis de ce passé, à savoir celui où il a rencontré Marie-Anne, celle qui vient justement de le mettre à la porte.

Un voyage dans le temps qui s’avérera marquant, peut-être même désorientant, et dont il ne sortira pas indemne, mais transformé à jamais. Un film qui commence bien cette année que je désire celle de tous les possibles.

On pourrait ne se fier qu’aux critiques et ne jamais aller au cinéma parce que celles-ci sont mitigées ou tièdes. On peut aussi ne les lire qu’après coup et se dire qu’on a bien fait de ne pas les avoir parcourues avant d’aller voir un film.

C’est ce que je me suis dit après avoir fait le tour des différents articles sur L’ultime voyage, un film de Pablo Solarz, relatant le rocambolesque voyage d’Abraham Bursztein, 88 ans, qui a quitté la Pologne pour l’Argentine il y a 70 ans, et qui a choisi de retourner au pays de ses racines. Même s’il déteste tout de la Pologne, jusqu’au mot même, pour tout ce qu’elle représentante de son passé de Juif qui a échappé à la mort.

Or, à son âge, il n’a plus rien à perdre. Ses filles ont vendu sa maison, et il n’a pas l’intention de vivre dans cette maison de retraite qu’elles ont choisi pour lui. Pas plus qu’il n’acceptera qu’on lui coupe la jambe, gangrénée, qui lui rend les déplacements de plus en plus difficiles. Non, pas question.

Il est temps de faire le trajet inverse à celui qu’il a fait quand il avait 18 ans. Temps de tenir une promesse qu’il a faite à celui qui l’a caché, promesse qu’il s’est faite à lui-même. Et surtout sans le dire à quiconque afin que nul ne le retienne, que personne ne veuille l’empêcher d’aller au bout de son projet, et qu’il aille à la rencontre de son destin.

Mais il n’est pas simple d’aller de Buenos Aires à Varsovie. Il faut pour cela s’arrêter en Espagne, aller jusqu’à Paris et traverser l’Allemagne avant d’y arriver. Au risque de se faire tout voler, ce qui va arriver. Au risque de devoir se faire aider par une Allemande, oui, une Allemande. Au risque de tomber malade, ce qui n’était pas prévu.

Mais Abraham, bien que bourru et pas vraiment sympathique, a de la chance. Il y a toujours quelqu’un sur son chemin pour l’aider. Et si parfois, tout cela a l’air « arrangé avec le gars des vues », il n’en reste pas moins que chaque personne dans la salle souhaitait qu’Abraham réussisse, malgré les embûches, parce que les projets fous font toujours un peu rêver…

L’ultime voyage n’a rien d’un grand film, malgré une belle direction d’acteurs, et des scènes drôles, attendrissantes et presque surréalistes. C’est un film touchant. Et je ne regrette pas d’avoir vu ce film qui m’a fait verser quelques larmes, et encore moins de ne pas avoir lu ce qu’on en dit avant de le voir.

La peur est peut-être la plus forte de toutes les émotions, car elle peut autant nous pousser de l’avant que nous retenir. C’est ce qui ressort de la troisième édition de Laissés pour contes, mettant en scène six textes ayant pour thème différentes formes de peur.

Dans un décor presque nu composé d’un voile en fond de scène et d’une chaise de plastique attachée à une lourde chaine accrochée au plafond, six personnages viennent à tour de rôle parler de leurs peurs en s’adressant aux spectateurs comme si ceux-ci étaient le miroir auquel on se confie parfois pour se donner du courage, se convaincre ou même, pour ne plus se croire seul.

De la peur de franchir la porte de la cave en passant par celle de sortir de chez soi, chacun y va de son histoire où il est aussi question de la peur de déplaire au père, de la peur de vieillir sans enfant, de celle de la maladie et aussi de celle de dévoiler une partie de soi tenue cachée depuis des années. Prenant le public à témoin, chacun des six personnages nous livre avec l’énergie du désespoir une part de lui qui est si grave, si poignante qu’elle devient parfois le prétexte à rire. Pour que le malaise passe.

Cela nous donne une série de tableaux où nous basculons continuellement entre le rire et les larmes. Pour venir à bout de cette peur qui noue le ventre, notamment cette peur d’être jugé et de rejeté plus forte que tout.

On sort de là secoué. Avec la certitude d’avoir assisté à un véritable tour de force tant chacun des six comédiens a réussi à nous convaincre de sa peur et de l’urgence d’en finir avec elle. Chapeau aux auteurs, aux comédiens et au metteur en scène Patrick Renaud.

Je n’ai pas vu le film Midnight in Paris. Or, si je l’avais vu, me dit-on, j’aurais été en mesure de me préparer au plus récent Woody Allen, To Rome with love. Dans un cas comme dans l’autre, il s’agit d’histoires qui ne se recoupent pas et qui n’ont pour lien entre elles que le fait de se dérouler pour l’une à Paris, pour l’autre à Rome, et de nous offrir quelques beaux décors.

Nous croiserons donc une jeune États-unienne qui tombera amoureuse d’un bel Italien et les parents des tourtereaux dont un Woody Allen excentrique bien décidé à faire valoir les talents de chanteur d’opéra du futur beau-père de sa fille; un couple parti de sa campagne pour tenter sa chance à Rome à qui il arrivera certaines péripéties de bien peu d’intérêt sauf pour ceux qui ont un faible pour les jambes de Penelope Cruz; un homme qui passe de l’anonymat à la célébrité et qui ne peut plus s’en passer; et un architecte qui retourne sur les lieux de sa jeunesse et fait la rencontre d’un jeune homme qui est une copie de ce qu’il était il y a trente ans.

C’est en fait ce dernier volet et le seul des quatre à avoir capté mon attention. Il aurait même pu être développé au point d’en faire un film, tant il est intéressant de suivre quelqu’un qui retourne sur les lieux de sa jeunesse non pas pour changer le cours de l’histoire, mais pour jeter un œil sur ce qu’il a été et sur les événements importants de cette époque de sa vie qui ont fait en sorte de faire de lui ce qu’il est aujourd’hui.

Mais Woody Allen a préféré nous proposer des comédies plus ou moins drôles. Et pas assez de Rome à mon goût.

Manhattan et Annie Hall sont bien loin. Et je suis nostalgique.

Souvent, le sujet fait à lui seul un film. Parce que le sujet ou le personnage est si exceptionnel, si hors de l’ordinaire, si passionnant qu’il ne peut en être autrement. Et parce que le couturier Hubert de Givenchy avait toujours refusé de se plier au jeu de la caméra afin de se livrer, de raconter son parcours, de partager ses souvenirs, de parler de ses créations, de ses amis, notamment Balenciaga et Audrey Hepburn, on pardonne au réalisateur Karlim Zeriahen quelques images moins réussies, comme le défilé des dates marquantes à toute vitesse et de si loin qu’on ne peut les lire.

L’essentiel est ailleurs. Il est dans ce que dégage le créateur, dans ce cadeau qu’il fait à ceux pour qui il est un maître par ce Monsieur Hubert de Givenchy, présenté dans le cadre du Festival international du film sur l’art, que je vous invite à découvrir dans ce court extrait.

Dans quelques semaines, on fêtera les 60 ans de l’ouverture de la maison de couture d’Hubert de Givenchy. Il avait 25 ans.

Je pourrais vous raconter, le temps de quelques paragraphes, à quel point j’ai apprécié le film de Marc-Henri Wajnberg réalisé en 1999 sur le grand architecte brésilien Oscar Niemeyer, que j’ai eu l’occasion de visionner dans le cadre du Festival international du film sur l’art.

Mais parce que j’ai tellement aimé cette réalisation, je ne vous dirai rien. Sinon que dans ce film il se raconte et qu’il dessine, qu’il dessine et qu’il dessine. Et que vous y croiserez Gilberto Gil et Chico Buarque. Et aussi qu’à 90 ans, l’âge qu’il avait au moment du tournage — il en a maintenant plus de 100 —, il avait toujours les idées excessivement claires.

Pour vous en convaincre, installez-vous confortablement. Vous en avez pour une heure.
1re partie
2ème partie
3ème partie

Dès les premières images du film de Richard Copans, La maison Vitra, où douze maisons vont en composer une seule, vous voudrez aller voir les choses de plus près. Et à mesure que dérouleront devant vous de nouvelles images de ce complexe architectural à la fois musée et salle d’exposition des environs de Bâle, vous voudrez encore plus voir celui-ci de près. Et quand l’architecte Jacques Herzog vous expliquera les bases de ce projet, notamment dans cet extrait, vous allez ajouter cette destination à la liste de vos destinations de rêve.

Oui, j’ai eu un coup de foudre pour cette maison inaugurée en 2010 et pour ce film d’une trentaine de minutes, présenté dans le cadre du Festival international du film sur l’art, qui nous dévoile sa conception. Un énorme coup de foudre!

C’est à l’occasion du Festival international du film sur l’art que j’ai vu le plus récent film du Suisse Pierre Maillard, autant documentaliste que réalisateur de films de fiction, Le paysage intérieur.

Ce paysage intérieur, dont vous pouvez voir quelques images ici, c’est celui qu’ont imaginé les architectes japonais Kazuyo Sejima et Ryue Nishizawa, de l’agence SANAA, c’est-à-dire une vague, pour la nouvelle bibliothèque de l’École polytechnique fédérale de Lausanne, dont la réalisation a été rendue possible grâce à des bâilleurs de fonds du secteur privé, dont le plus important est Rolex, d’où le nom de l’édifice, le Rolex Learning Centre (RLC).

Lauréats du prix Pritzker en 2010 pour cette réalisation, les architectes de SANAA ont voulu créer un grand espace lumineux, aéré et aérien, qui donne l’impression, selon l’endroit où nous sommes, de chevaucher la vague , d’en faire partie ou d’être dessous. Décor des plus modernes, le RLC s’inscrit à même le paysage urbain dont il fait partie, ce qui ajoute à sa beauté tout en longueur plutôt qu’en hauteur, ce qui aurait défait tout le paysage. C’est cette aventure que raconte le film de Pierre Maillard de façon chronologique, avec à la fin certaines images qui vous feront rêver…

En ce qui me concerne, Pierre Maillard a réussi son pari : il m’a donné envie d’aller voir cette bibliothèque hors du commun.

C’est dans le cadre du Festival international du film sur l’art que j’ai assisté à la Métamorphose d’une gare, un film réalisé par Thierry Michel, prétendant raconter les différentes étapes qui ont donné naissance à la nouvelle gare des Guillemins, à Liège, inaugurée en 2009.

Or, le film est un ramassis d’anecdotes glanées au cours de la construction de cet énorme éléphant blanc plutôt que le documentaire auquel on pouvait s’attendre. Qui ne connaît pas Liège aurait peut-être aimé d’entrée de jeu qu’on lui donne quelques données sur cette ville, à savoir sa taille, combien de gens y vivent, combien de personnes y transitent quotidiennement pour le travail ou pour changer de train. Il aurait sûrement aussi apprécié découvrir la gare des Guillemins avant les grands travaux, savoir en quoi elle était désuète et pourquoi il fallait la rajeunir. Mais rien de cela n’est dans le film de Thierry Michel. Pas plus que n’est raconté le processus de sélection qui a fait de l’architecte espagnol Santiago Calatrava, celui à qui on doit la gare Stadelhofen à Zurich, la gare de Lyon-Saint-Exupéry et la gare d’Orient à Lisbonne, le grand gagnant. Nulle image de celles-ci ne nous sera d’ailleurs offerte afin de nous donner une idée de son travail.

On sort de là avec l’impression que le réalisateur est passé à côté de son histoire, qu’il ne l’a jamais racontée, préférant mettre en lumière les commentaires de l’un et de l’autre, les délais, les problèmes de béton, les idées de grandeur de l’architecte prêt à détruire une ville au profit d’un projet démesuré. Comme si ce n’était pas assez d’avoir choisi le blanc dans une ville où tout devient gris très vite ou d’avoir évincé des gens et jeté par terre des logements et l’ancienne gare des Guillemins.

Le film de Thierry Michel n’est rien d’autre qu’un tissu d’anecdotes. Point. Bien loin du film sur l’architecture que je m’attendais de voir.

Bachir Lazhar n’a plus rien à perdre : il a déjà tout perdu. Sauf ses souvenirs. Ceux avec lesquels il lui faudra vivre jour après jour. Ceux qui, parfois, empêchent même de vivre. Sauf si. Sauf si, comme lui, vous décidez de vous accrocher à la vie coûte que coûte, malgré tout, et parce que vous n’avez plus rien à perdre.

Alors qu’élèves, et enseignants, que parents et directrice sont encore sous le choc qui a suivi le suicide d’une jeune enseignante dans sa salle de classe, Bachir Lazhar vient offrir ses services afin de remplacer la disparue, ayant appris la nouvelle dans le journal. Il a, dit-il, enseigné en Algérie. Il lui manque quelques papiers. La directrice hésite. Les jours ont passé. On a changé la couleur des murs. Mais aucun enseignant en disponibilité ne veut prendre le relais et faire face à des élèves traumatisés.

Elle choisit donc de contourner les règlements. Parce qu’elle est fatiguée d’essuyer des refus. Parce qu’elle ne peut pas abandonner des enfants perturbés. Parce que, malgré tout, la vie continue.

Oui, la vie continue. Il le faut. Pour lui, qui attend un verdict qui confirmera ou non son statut. Pour eux, qui devront faire leur deuil, régler leurs comptes entre eux.

Oui, la vie continue. Avec tout ce qu’elle comporte de beauté comme de détresse. Avec les travers des uns et les qualités des autres. Et cela nous donne un très beau film. Humain. Dont on sort pour certains totalement bouleversé. À tout le moins, ému. Plus qu’un peu.

Pas étonnant que Monsieur Lazhar ait gagné le Prix du public et le Prix Variety au Festival du film de Locarno; le Prix du public et le Prix spécial du jury au Festival du film francophone de Namur; le prix du meilleur film au Toronto International Film Festival. Monsieur Lazhar est un beau film, un très beau film. Pas tout à fait réaliste, les classes étant en général beaucoup plus multiethniques que celle présentée, mais cela n’a pas d’importance. La richesse de ce film est ailleurs. Dans les liens qui se tissent entre certains personnages, dans l’image final. Inoubliable.

Le film sera distribué en Allemagne, en Australie, en Autriche, en Belgique, en Brésil, en Espagne, aux États-Unis, en France, en Luxembourg, en Nouvelle-Zélande, aux Pays-Bas, au Portugal, en Suisse et au Japon dans les prochains mois. Ne ratez pas ce rendez-vous magnifique avec la vie.